波普艺术文化 | 安迪·沃霍尔与罗伊·利希滕斯坦 Madrid 展

2022/06/30 00:00:00

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The Pop Art Culture sigue entre nosotros, aunque, lo sabemos, el pop art es en esencia un movimiento intrínsecamente americano. Surgido a mediados de los años cincuenta como oposición al expresionismo abstracto, que se basaba en la pincelada, el gesto y el color, a los artistas pop les parecía algo demasiado intelectualizado, vacío y elitista. Con su descaro y frescura se ganaron el favor no solo de la crítica de arte, sino, sobre todo, del público, que empezó a ver sus obras como piezas divertidas con las que compartían el mismo universo: la cultura de masas y la cultura de popular (aunque a veces parecen lo mismo, no lo son).

El término fue utilizado por primera vez por el crítico británico Lawrence Alloway en 1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban realizando, utilizando imágenes populares. Al mismo tiempo, importantes revistas, como Time, Life o Newsweek, dedicaron algunos ensayos al nuevo estilo artístico, aunque fue reconocido antes por el gran público y las revistas de amplia difusión que por los críticos especializados o los museos de arte contemporáneo, que veían como los productos pasaban de las estanterías del supermercado a las salas de los museos. Los cómics pasaban de ser impresos en papel a ocupar lienzos enormes. Y lo mismo ocurría con los carteles publicitarios. La sociedad de consumo, el capitalismo, el star system hollywoodiense... Todo era susceptible de ser pop.

Roy Lichtenstein, Girl with hair ribbon, 1993. © Estate of Roy Lichtenstein / VEGAP 2022.

Tampoco es que la clase media “reclamara” un arte comprensible para todos. El pop también vuelve la mirada sobre los grandes maestros y recrea géneros tradicionales como el bodegón, aunque, naturalmente, la técnica se sustituye dejando paso a la serigrafía, el collage o la fotografía.

¿Quiénes son estos artistas? Muchos, pero principalmente cuatro, sin los que el arte pop no se entendería, y los cuatros están presentes en la exposición sobre The Pop Art Culture que se podrá ver en CentroCentro de Madrid hasta el 18 de septiembre de 2022.

Roy Lichtenstein (Nueva York, 1923 - 1997), es uno de ellos, y en la muestra vamos a poder ver los cómics originales de los años sesenta y las novelas de amor y cine de la época que inspiraron sus famosas serigrafías. También películas donde él mismo explica su proceso creativo, proyectando las viñetas sobre la pared para pasarlas al lienzo.

Robert Rauschenberg (Texas, 1925 - Florida, 2008) es, junto a Warhol, quizá el más proclive a la experimentación con técnicas y materiales no tradicionales en innovadoras combinaciones que resultaron en performances al principio de su carrera y luego, en assemblages, collages de fotografías con objetos encontrados (procedentes en su mayoría de la sociedad de consumo), collages, grabados y serigrafías. Incluso fue director de escena en la compañía de danza de Merce Cunningham —en la exposición vamos a poder ver el tríptico autobiográfico enfrentado a la película de 1963 Pelican, en la que él mismo es coreógrafo y bailarín— y, a finales de los años sesenta, fundó un grupo de artistas y científicos para conocer las posibilidades que ofrecía la tecnología al arte.

Robert Rauschenberg, Peace, 1971. © Estate of Robert Rauschenberg/VAGA, New York/VEGAP, Madrid, 2022

El rara avis de este grupo sería Keith Haring (Pensilvania, 1958 - Nueva York, 1990). Al igual que sus compañeros en The Pop Art Culture, Haring recibió formación artística reglada, pero pronto fue consciente de que sus intereses estaban fuera de la endogamia sistémica del mundo del arte y más cerca de la calle y del undergound. A primeros de los años ochenta, Haring empieza a dibujar figuras con tiza blanca en los paneles publicitarios del metro de Nueva York, que pronto extenderá a otros formatos. En la expo podemos verle en un vídeo trabajar in situ en el metro, al que volvía una y otra vez a pintar hasta que era detenido.D iagnosticado con SIDA en 1987, de la que falleció en 1990, Haring se volvió aún más activista en lo relativo a esta enfermedad, que se presentaba como un apocalipsis cristiano (así lo reflejó en su serie Apocalipsis, también en Centro Centro), una especie de pandemia que acabaría con la población mundial.

Last but not least, Andy Warhol (Pittsburgh, 1928 - Nueva York, 1987), ese niño enfermizo que empleó sus largas temporadas de convalecencia en reunir recortes de revista de sus personajes favoritos; primero fue Shirley Temple, luego Marilyn Monroe junto a otros mitos modernos a los que admiraba como John y Jackie Kennedy, Elizabeth Taylor, Carolina Herrera… Su obra va desde los retratos de alta sociedad hasta productos de consumo como las famosas sopas Campbell, unidos a preocupaciones políticas y sociales (en la exposición podremos ver una selección de todo ello, como sus mejores diseños para las portadas de discos de grupos como Blondie, Los Rolling o Aretha Franklin junto a serigrafías gigantes dedicadas a la silla eléctrica, su particular alegato contra la pena de muerte).