名和晃平 | 震撼艺术魔法，探寻世界可能

我对于这个地球上的所有现象和物质的兴趣要早于我的创作本身。有时候正是这些持续变化着的物质在引领着我去发现那些使人类的感知力可视化，或是将无形的“力”可视化的现象。在另外一些情况下，我则会非常慎重地进行研究，来选择用哪种材料和组织形态去创作，才能更加接近我试图在一样独特的作品身上产生的表现力。

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名和晃平

名和晃平在他为爱知三年展创作的装置前

2018年1月18日，佩斯画廊为名和晃平举办他在美国的首次个展。作为日本近年来最受瞩目的艺术家之一，名和晃平出生于1975年，他的创作中彰显着社会逐步进入网络化不断高速发展的时代身份，在他的艺术创作中带着强烈“当下性”色彩的现代科技语言，正如他最著名的Pixcell系列最初的灵感正是来源于网络中的像素单位。另一方面，虽然名和晃平多次强调“代表”日本文化不再是当代艺术家的一种必须，但他的作品中所渗透着关于生与死的探索，依旧让人不禁联系到日本文化中的物哀与禅宗美学。说是东方与西方、传统与现代的相互对立又相互融合的冲击，显得太过模棱两可，但这也成为理解他作品一种参照维度。

作为新一代日本艺术家的一份子，名和晃平的作品帮助世界从某种更为微妙角度理解日本艺术及流行文化，超越了甜美动漫风的文化刻板印象。

——纽约时报

2003年从京都市立艺术大学雕塑系毕业后留校任教，担任艺术设计系助理教

授。名和

晃平多采用玻璃珠子，棱镜，胶水，石膏和泡沫等材料覆盖创作对象的原始面貌，重新勾勒其线条，来表达他对表层的感知和思考。

名和晃平的作品持续关注一个核心概念—细胞。作为构成一切生物的基本观念，细胞的增殖和死亡是宇宙间生命更迭的最基本形式和过程。也许，艺术家创作的原始动力和灵感是提醒我们生命最本原最纯粹的存在方式。

下文节选于《INTERNI设计时代》2018年5月刊

名和晃平标志性的“PixCell”系列作品《PixCell-Deer#24》收藏于纽约大都会艺术博物馆

Kohei Nawa, PixCell-Deer#24, 2011, Mixed media; taxidermied deer with artificial crystal glass © 2018 Kohei Nawa

Q

 = INTERNI 设计时代

A

 = Kohei Nawa

Q：

外层（表面）呈现或说外在表现是你艺术创作中的出发点，你的艺术哲学是如何演变的？

A：

我在学生时代学习雕塑时，非常关注雕塑的外表，并以此开始了自己的创作研究。这种雕塑的感性内在和外表之间的关系，是我现在可能也是未来持续关注的一点。我现在非常在意

建筑、空间所能带来的体验，即使雕塑所能带给人的感官感受始于外表，但其最终的呈现一定不止于外表。

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置于户外的大型雕塑作品White Deer则利用特殊的反光材质与曲线设计，展开了一场光与影的游戏。鹿的形象完美掩映在背景中，虚实相见，提出关于宇宙间生命起源的原始追问。

Q：

人类在持续创造、进步的同时，也承受着生存环境与心灵的双重毁灭与扭曲。你怎样理解人类在世界中的位置？

A：

我认为人类是自然、宇宙的一部分。人有着动物性的一面，但同时也是精神性的存在，人类可以超越动物性的感官享受或痛苦，从而进行思考、判断、构建理论。

这种精神性的存在从本质上拥有发现宇宙规律和真理的力量，艺术可以说是在不断向这种力量靠近的尝试。

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Moment #18，

墨水通过滴墨装置在画布上以不同弧度、轨迹组成复杂而精致的流畅曲线，将时间与空间的流动压缩在平面中。

名和晃平使用墨水这一材质进行随机性的实验，

讨论理性绘画的可能性。2014年，布面丙烯，86.0X153.2cm 摄影 / Nobutada OMOTE | SANDWICH

Q：

尽管你没有刻意地去代表日本艺术，但是从你的创作中，我们能感受到对日本艺术精神与气质的继承。这种精神与气质是什么？

A：

我并没有拘泥于日本文化，而是经常在想，在包括日本在内的这个世界中，自己该表达些什么。然而我也注意到，在今年卢浮宫金字塔即将推出的展览中，我们被称作是“代表日本的艺术”。所以现在的我们在致力于艺术创作的同时，也强烈地意识到了自己的角色和责任。

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尺度巨大的装置作品

Manifold围绕重力的概念，破坏平衡性的优美感，在城市空间中放大信息过剩与能量爆炸的现代图景。图片/ Kohei Nawa

Q：

你曾在欧洲学习过艺术与艺术史，那段经历给你带来了什么？在日本的学习和在欧洲的学习有什么区别吗？安东尼· 格雷姆对你的影响表现在哪里？

A：

在还是大学学生时，我曾去看安东尼· 格雷姆的展览，并深受启发。安东尼是伦敦的艺术家，所以我当时非常强烈地想要去伦敦学习雕塑，并如愿以偿。伦敦，或者说整个欧洲，都有非常多的当代艺术的发生场所。教育设施、博物馆、画廊以及公共评论场所一起构建了扎实的艺术讨论和评估基础。在这一点上，欧洲和日本有非常大的区别。但其实无论是在日本还是在欧洲，我都可以做到坚持自己的想法，所以我最后选择在日本驻扎。

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装置Ether以热熔胶

材料试图展示物质的流动性与固态化之间的模糊地带。图片/ Kohei Nawa

Q：

你所关注的主题和材料都使您和传统概念中的“艺术家”有所区别。那么对你来说，“艺术”的定义究竟是什么？

A：

就“发现新价值，呈现可能性”这一领域而言，如果说设计是解决问题的一种方法，那么艺术就是问题本身或者说提出问题的方式，它并不一定要成为一个确定的答案。

所以对我来说，生活在这个世界、对这个时代的感知，会像反射般地呈现在自己的作品中。

▲  Throne，2017年，综合媒介，140.0×73.6×59.0cm，摄影/ Nobutada OMOTE | SANDWICH

Q：

和传统艺术家相比，你更关注对数字化的探索，为什么？

A：

在学生时代，我亲眼见证了电脑的普及、网络的流行以及整个社会对数字化越来越强的依赖。有人说人类的敏感性因此而消失了，随着文明化的不断扩大、蓬勃，人们的感性活动也随之在变化。我很好奇这种变化的未来走向，因此

我十分关注感官如何推动全人类走向等诸如此类问题，而不仅仅是沉醉于数字化。

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每位观众都被邀请行走于装置之中，同时用视觉和触

觉感知，在不断膨胀的泡沫之中体会从生存到破灭的瞬间。“爱知三年展”展览现场，2013年，日本爱知，摄影/ Nobutada OMOTE | SANDWICH

Q：

与川久保玲女士的合作堪称经典，你怎样看待作为中介和实验的时装？建筑、设计等其他的项目，给你带来了怎样的经历？

A：

和来自不同领域的一流创作者合作是非常刺激的。这些合作给予我灵感，

以此为契机，也让我去重新审视自己曾经下意识使用的创作形式。我开始思考何谓建筑，何谓艺术。

我认为只要项目有趣，我还会持续和不同领域的艺术家进行合作。原本，我在进行雕塑创作的时候就会带着建筑的视角，可以说是用建筑的方式来表现雕塑，也可以说是让雕塑的概念在建筑层面展现出来。今后我更会继续让雕塑和建筑并向而行。

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“犬岛艺廊项目F-Art House“展览现场，Biota的无规则特征充斥在空间中的白色雕塑中，粗糙的表面与略带侵略性的形态再现着生命在原初的物质混乱中挣扎、演变的感性体验。2013年，日本冈山。摄影 / Nobutada OMOTE | SANDWICH 

Q：

你最近有什么艺术尝试吗？未来有何计划，将带来什么艺术作品？

A：

最近我正在为卢浮宫金字塔创造一件雕塑品，这是只此一生的机会，对我来说是一个非常重要的任务。关于建筑的新项目也在执行中。我自己对在城市中创作公共艺术来和公众形成连接也非常感兴趣。除了画廊或室内场所，

我希望艺术也可以发生、介入到公共空间中。

我几乎没有考虑过未来的走向，一路上我都是凭借着兴趣在创作，也希望给自己更多的灵活与可能性。

下文节选于《艺术新闻／中文版》第53期（2017年11月）

名和晃平：在过去与未来之间 

（节选）

采访、撰文／谢斯曼 

生于70年代的名和晃平是日本新一代艺术家的一员：他们深受传统文化影响，但在成长和接受教育的过程中又迎来了流行文化和新科技的冲击。对于他，热烈地拥抱前卫新兴科技，又深深敬畏甚至质疑其所带来的诸多未知并不矛盾。

作为佛教与古典底蕴最为丰厚的古都之一，京都对名和晃平的影响是巨大的。在校期间的他热爱佛教造像和寺庙，曾一度想朝古典艺术的方向发展，直到1996年，他偶然间参看了葛姆雷在日本的首个巡回回溯展“静止中移动”（Still Moving）。

名和晃平向《艺术新闻／中文版》回忆起这段往事：“纯属偶然。当时的我对当代艺术毫无兴趣，古老的事物更吸引我，比如日本古庙、佛像之类的宗教艺术。但当我看到葛姆雷在日本的展览之后——那会儿我还在上学——我真的被他的雕塑以及他的创作逻辑震撼了。他的作品在材料和形式上都极具逻辑性，而且他对传统雕塑的态度是批判性的，这些都让我很欣赏。而且其实葛姆雷也对佛教、印度教、冥想等非常感兴趣。两年后，我得到一个机会去伦敦做交换生，也就是在那个时候，我彻底决定要开始做当代艺术。”

Kohei Nawa,

PixCell-Red Deer

, 2012, taxidermied Red deer, glass, acrylic, crystal beads 现藏于 National Gallery of Victoria, Melbourne © Kohei Nawa, courtesy Sandwich, Kyoto

“PixCell”系列作品首次创作于2003年，据说名和晃平无意间在网络上看到有鹿标本出售，电脑显示器上鹿标本图片的像素单位（pixel）启发了他。他将网购回来的鹿标本的表面粘上体积各异的玻璃球，一件原本“天然”的动物标本顿时幻化成为华丽的雕塑作品。

创作的过程并没有想象得那么简单，因为玻璃球并不是随机摆放的。“这个创作的过程没有任何恣意的成分。”名和晃平说。在最后覆盖玻璃球前，他已经规划、标注出所有玻璃球的位置，并已经仔细研究过每个玻璃球会给观者带来的视觉效果。

透过玻璃球，观者得以观察到被折射、扭曲的鹿表皮，原本被人忽视的细节都纷纷浮现出来，并被无限放大。更重要的是，这些玻璃球象征着细胞（cell），而细胞是最细微、最基础的生命单位，是万物的起点；将微小的物质单元放大，让鹿的表面覆盖满不计其数的“细胞”，这是艺术家对微观世界和事物本质的认知与观察集合表现在雕塑中的一种形态，作品系列名称很显然也透露了这一意图：“PixCell”是单词“pixel”与“cell”的结合体。

Kohei Nawa, 

PixCell-DEER#26

, 2012 © 2018 Kohei Nawa, Photo by Nobutada Omote, courtesy SANDWICH

“看似华丽的‘玻璃鹿’摆在我们面前，但它却不是真实存在的。”名和晃平曾解释说。“玻璃鹿”华丽的表征下，是死去的生命；而被扭曲、放大的表皮细节也不再真实。针对真与假、生与死、物质与精神、微观与宏观之间的对比与思索，从一开始就伴随着艺术家的创作进程。

 一面是对宇宙奥义的感性探知，一面是格外理性的创作方式，名和晃平看似矛盾的艺术方法论事实上又以一种合理的方式生长着。生于70年代的名和晃平是日本新一代艺术家的代表：他们深受传统文化影响，但在成长和接受教育的过程中又迎来了流行文化和新科技的冲击。“我们这代人不再觉得‘代表’日本是艺术创作中的一种必须”，名和晃平说。

话是如此，但没有人能够完全摆脱他的文化背景。从名和晃平的作品中流露出来的，是他这一代艺术家的新“日本身份”：热烈地拥抱前卫新兴科技的同时，又深深敬畏甚至质疑其所带来的诸多未知。

名和晃平与川久保玲合作，为COMME des GARÇONS 2012春夏时装秀设计了配饰，名和晃平工作室供图

名和晃平为安川電機百年纪念创作的雕塑装置

爱马仕基金会赞助的“Villus”系列

名和晃平位于现代传播 Modern Eye 艺影书阁的“PixCell-Deer”雕塑作品

Kohei Nawa, PixCell [Zebra#2], 2009 © 2018 Kohei Nawa, Photo: Seiji Toyonaga

Kohei Nawa, AirCell-A, B_37mmp (detail), 2011 © 2018 Kohei Nawa, Photo: Seiji Toyonaga

名和晃平2011年成为在东京都现代美术馆举办过个展的最年轻艺术家 © Museum of Contemporary Art Tokyo

Moment

作品Moment中，艺术家控制匀速摆动式绘画装置—滴墨移动设备，在纯白的画布上留下了直线，曲线，漩涡线等团。随意性和精确计算两种截然不同的方式相得益彰。根据装置气压和距离、圆周运动的速度等物理条件不同，画布上留下了不同的运动轨迹和运动力量。摆动的轨迹在视觉呈现中给予观者时间和空间的感受。

Prism

盒子相当于一个细胞，被棱镜覆盖后，随着观察角度不同，内部的物体时而出现时而消失，失去了真实质感，独特的观看体验麻痹了观众对实质物体的感知。艺术家用被棱镜覆盖的“细胞”，暗喻在信息时代被电子屏幕覆盖的日常，在其中生活的我们对事物虚实的感知也被逐渐模糊。

Force

装置Force，调和成工业浓度的黑色硅油从天花板的装置受重力作用缓慢流下，在地面形成黑色的浅塘，如同雕塑融化成为液体，既像液态化的雕塑，又保持着液体性。事先通过缜密的构思，在呈现的空间雕塑中，时间、空间和物质便成为观众的关注焦点。

Glue

作品Glue系列的着眼点是利用热塑性粘着剂以探寻素材与其物质性的契合度

END

观致设计

团队简介

观致设计（OPS）创立于广州，专注于酒店、会所、房地产售楼部和样板房等项目的设计，并提供一站式整体软装配饰服务。公司主创成员均具备多年全球顶级设计事务所从业背景，拥有丰富的实践经验与成熟的专业技能，先后与万科集团、万达集团、绿地集团、富力地产、越秀集团、奥园地产、合景泰富等知名企业和发展商展开深度合作，凭借匠心独运的设计理念与信守契约的服务精神，为众多客户带来和谐舒适的生活体验，获得了市场和社会的充分肯定。

“因洋洋大观,故楚楚有致”，观致设计拥有一支充满活力及创造力的精英团队，致力于服务对生活品质及设计风格有高水准追求的客户群体。观微致著，锐意创新，以设计创造价值，为实现富有生命力的理想环境而全力以赴。

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